Le quatuor : Beethoven par amour

Existe-t-il une seule chose conséquente sur Terre qui ne soit Art ? Sous toutes ses formes, visuelles, intellectuelles, auditives, sensibles, la création des êtres insuffle autant de sens qu'il se peut à des existences qui en semblaient pourtant dénuées. Une des manifestations sublimes de ce talent mortel est la musique. Ensorceleuse, elle insuffle autant de passion aux âmes échaudées qu'elle entraîne ses auteurs sur la voie de la perdition. Le Quatuor se fait le témoin conquis de cette valse diabolique et redonne, non sans peine, ses lettres de noblesse à la musique classique.

Depuis plus de vingt-cinq ans, le quatuor à cordes La Fugue, formé de virtuoses issus de la Julliard School, envoûte un public de connaisseurs venu des quatre coins du monde. L'interprétation de l'Opus 131 de Beethoven, qu'ils dévoilent aux oreilles attentives, retranscrit la structure architecturale de la beauté même. Cette alchimie parfaite est mise en pièces par le diagnostic cruel fait au mentor et membre fondateur du groupe. Atteint de la maladie de Parkinson, Peter se voit dans l'obligation de prendre sa retraite et réduit en cendres d'un même élan le substrat de leurs réalisations. Les névroses les plus viles des inconscients de chacun des membres font alors leur apparition. Les égos des uns se heurtent aux aspirations des autres et l'harmonie des instruments se voit rapidement balayée par une cacophonie de caractères.

Chaque instant de grâce du film est dû à son casting fabuleux. La descente aux enfers de Christopher Walken émeut aux larmes, la difficile prise de conscience de Philip Seymour Hoffman dérange tout autant, et le spectateur ne peut se défaire de l'emprise totale exercée par Mark Ivanir. Imogen Poots, ravissante, convainc, à l'image de ses aînés, avec sa languide performance de fille mal-aimée. Les spectateurs rompus à la maîtrise de l'archet décèleront la mystification. Mais la virtuosité de l'expression de leurs talents de comédiens est sans égale.

Le Quatuor n'est cependant pas exempt d'arrogance. Le film se complaît dans une démonstration par trop élitiste pour être acceptable. La musique classique, à l'attrait incontestable, se sait capable d'ébranler un public hétéroclite. Ainsi le seul étalage de moyens dévoués à une bourgeoisie mesquine dérange. L'on sait néanmoins gré au long-métrage de rendre honneur à une des merveilles de ce monde et l'on se laisse bercer par le savoir-faire combiné des comédiens et des compositions hors du temps.

Une ode aux amoureux fiévreux de mélodies intemporelles.

Par Emma Martin

Des Abeilles et des hommes : quand honey rime avec money 

Après Les Raisons du coeur (1997), dernier métrage en date de Markus Imhoof, le réalisateur revient avec son second documentaire et parvient là aussi à se frayer un chemin jusqu'à notre coeur avec Des Abeilles et des Hommes, documentaire poignant sur la disparition de plus en plus alarmante des abeilles.

De l'ingratitude

Nous n'y prêtons pas assez attention, mais c'est incontestable : le nombre d'abeilles diminue considérablement, elles sont pourtant nécessaires et indispensables et à notre survie puisque comme nous le répète le cinéaste sans les abeilles, pas de pollinisation, ce qui implique une disparition des fruits et des légumes. Alors pourquoi ces petites bêtes ailées ne veulent-elles plus faire leur boulot ? Et oui, les abeilles ne sont pas capitalistes, elles ne se soucient guère de rapporter de l'argent, pour nous, êtres humains, c'est bien sûr une autre histoire. Attiré par l'argent, l'homme en oublie bien qu'il est souvent ingrat envers ce qui lui permet de vivre de manière aisée. Cette ingratitude a pourtant un prix, plus d'abeilles, plus de miel, et bientôt plus de nourriture et plus de sous !

Un sentiment d'indignation

Markus Imhoof nous fait assister à une véritable tragédie, sous nos yeux défilent des images qui nous révoltent mais aussi des sons de voix qui ne font qu'accentuer ce sentiment d'indignation. Le réalisateur rencontre plusieurs personnes ayant des rapports aux abeilles et à l'argent très différents: de l'apiculteur local à l'apiculteur industriel, le discours change, les méthodes aussi. Alors quand un des interrogés, face à la maltraitance des abeilles, avance l'argument capitaliste, on a du mal à le suivre. Pourtant, n'est ce pas ce que nous faisons un peu tous, se dire que finalement ce n'est pas si grave et laisser faire ? Le documentaire d' Imhoof tente de faire entendre ce que nous refusons d'admettre, l'expression « regarder la réalité en face » prend ici tout son sens parce qu'on le sait que les abeilles disparaissent, mais les hommes ont cette faculté a occulter et à mettre de côté certains problème qui les dérangent. Himhoof rend la mort de ces insectes affligeante, ainsi lorsque les abeilles tombent comme des mouches suite à la pulvérisation de produits traitants les arbres, nous sommes à la fois émus et monte en nous un sentiment de colère, pas seulement contre ceux qui orchestrent le traitement (ça serait trop facile !) puisque d'une certaine manière on y contribue tous à la disparition des abeilles, qui n'a pas ou ne mange pas des produits préalablement traités ?

A la fin du documentaire, Imhoof ou plutôt la voix de Charles Berling cite cette phrase d' Einstein « Si l'abeille disparaissait de la surface du globe, l'homme n'aurait plus que quatre années à vivre». Einstein était clairvoyant et voyait déjà l'extinction des abeilles comme un danger qui nous serait fatal. Toute menace n'est pas imminente et pire est celle qui petit à petit s'installe dans les consciences collectives sans nous laisser aucune chance au moment ultime pour agir... Alors, volez jusqu'au cinéma le 20 février !

Par Anne-Laure Thirion

The Bling Ring : Sofia Coppola ou la vacuité de la jeunesse

 Sofia Coppola a ouvert la compétition Un Certain Regard du 66e festival de Cannes, avec The Bling Ring. Un film qui entre, tout logiquement, dans la continuité de sa filmographie, sur des adolescentes perdues, des sacs Chanel, des escarpins Louboutin sur une musique rock et éléctro. Un beau, frais, Coppola avec une Emma Watson juste. Qui l’eût cru ?

« C’est en faisant n’importe quoi que l’on devient n’importe qui ». Cette déclaration pourrait servir d’adage à la bande de lycéennes décrites par Sofia Coppola dans son film très attendu, The Bling Ring. Membres d’une génération qui a érigé les filles de et autres filles de rien au rang d’idoles, Paris Hilton en tête, le petit groupe se prend à devenir lui aussi n’importe qui, en faisant n’importe quoi, c’est-à-dire cambrioler les maisons de ces stars éphémères. Puisqu’elles n’existent que par ce qu’elles possèdent le gang en prendra une part pour exister à son tour.

The Bling Ring résonne comme une ôde à la vacuité de cette jeunesse hollywoodienne, déjà écorchée dans le précédent film de la réalisatrice Somewhere qui montrait la superficialité de la ville américaine. Sofia Coppola s’en donne alors à cœur joie en passant en revue le butin des jeunes femmes, sacs Birkin, bijoux en tous genres et chaussures Louboutin, sur fond d’une bande son rock éléctro, qui sait toujours faire son petit effet chez la cinéaste, et nous rappelle au bon souvenir de sa Marie-Antoinette, mais également de toute sa filmographie. Il apparaît en effet d’une logique implacable qu’elle ait adapté cet article paru dans Vanity Fair sous le titre « Les suspects portaient des Louboutin » relatant les vols commis par une bande d’adolescentes majoritairement (Cinq filles et un garçon). On se souvient immédiatement de Virgin Suicides et de sa dissection subtile des malaises adolescents que l’on retrouve ici, comme le poids des parents abusifs pour Nickie, celui de parents inexistants au contraire pour Sam et Becca ou encore l’exclusion pour Marc.

Mais comme dans Virgin Suicides, Sofia Coppola ne cherche ni à comprendre, ni à expliquer, mais montre simplement, neutralement et renforce ainsi le malaise d’une telle légèreté face à des actes dont la gravité s’abat comme une chape de plomb à la fin du film, avant de terminer sur une confirmation de ce vide abyssale. Les personnages superficiels au possible, qu’Emma Watson, loin d’être le personnage principal, interprète mieux qu’elle n’a jamais interprété aucun rôle, sont si stéréotypés que si la mention « inspiré d’une histoire vraie » n’était pas présente, on douterait de leur vraisemblance. Malheureusement ils le sont bien, réels, produits de leur époque qui développe une fascination perverse pour les stars de rien, comme on finit presque par le faire au fur et à mesure du film si rythmé, si fun, si cool, qu’on en oublie la vraie vie, comme ça d’un seul coup.

Par Camille Esnault

Stories We Tell : les histoires de famille 

 Sarah Polley, à travers Stories we tell, nous initie à un nouveau genre. Ceci n'est pas vraiment un documentaire ni une fiction ni un méli-mélo de souvenirs, c'est un peu de tout ça à la fois. Et quoi de mieux pour expérimenter que de le faire sur sa propre famille ! En effet, Sarah Polley, nous ouvre les portes de son univers intime, le milieu où elle a grandi...

La famille sous l'objectif

C'est peu habituel de mettre en scène sa propre famille mais ne vous attendez pas à une biographie de Sarah Polley, à un portait joyeux des membres de sa famille qui montrerait à quel point l'enfance de Sarah fut heureuse. L'intention de la réalisatrice est tout autre, elle tente à travers le témoignage de son père, de ses frères et soeurs mais aussi d'autres personnes de mettre la lumière sur un point obscur : sa mère, Diane Polley. Finalement, cette dernière n'est qu'un prétexte qui permet à Sarah de se moquer et de dénoncer aussi le reportage ou le documentaire vérité, qui érigerait pour vrai un fait ou une chose dite. La réalisatrice montre à quel point il est facile de se perdre dans les témoignages tellement ils différent d'une personne à l'autre, d'une époque à l'autre suivant les relations que l'on a entretenu avec la personne concernée ou le sujet concerné. Dès lors, quelle version est la plus acceptable, celle qui devra être retenue ? Pour mademoiselle Polley, elles sont toutes dignes d'intérêt d'où la complexité de la restitution et de la reconstitution du souvenir.

Des vérités tronquées

Le métrage suit la voix de Michael Polley, le père de Sarah, narrateur idéal puisqu'il est lui aussi impliqué dans l'histoire de sa femme, il en était même le plus proche penserait-on. Cependant, et c'est ça qui est le plus étrange. Il va aussi en être le plus éloigné, il sera en quelque sorte le plus proche du secret de sa femme mais aussi le plus loin de ces pensées cachées. Paradoxe souvent présent dans nos expériences personnelles ou familiales. Comment reconstituer avec vérité ce que l'autre est ? Ici, l'histoire tourne autour de Diane qui n'est plus là pour montrer qui elle est véritablement, ce que les autres rapportent d'elle restera une vérité ou image tronquée. C'est peut être aussi pour cela que Sarah polley filme les scènes de « flashbacks » en super 8, comme pour montrer avec nostalgie que ces moments ne sont pas ceux qu'a véritablement vécus sa mère, qu'ils n'en sont que le reflet.

Pas un surplus de lyrisme

La présence de Michael Polley est certainement le plus du métrage, le scénario quant à lui signé Sarah Polley est subtilement écrit, la réalisatrice réussie à nous émouvoir, nous toucher tout en oubliant pas de nous faire sourire. Sarah Polley n'est pas omniprésente devant la caméra, plutôt effacée, elle n'est donc pas le témoin de sa propre famille qui s'éfondrerait en larme se rappelant sa maman. L'émotion pourtant palpable ne se transforme pas en un surplus de lyrisme. On imagine pourtant combien le sujet a du être difficile a adapter pour Sarah Polley. Toutefois, le film peut trainer en longueur, les vas-et-viens des souvenirs et des moments de fictions peuvent être lassants et nous faire décrocher malgré le léger « suspens » qui règne.

Par Anne-Laure Thirion

Si vous voulez découvrir un style unique, Stories We Tell est fait pour vous !

Mud de Jeff Nichols : cry me a river  

Après la pépite Take Shelter (Grand Prix à la Semaine de la Critique) qui dressait le portrait d'un Américain moyen ancré dans la plus terre-à-terre des réalités qui va glisser dans la démence, Jeff Nichols tire le cinéma américain vers des hauteurs insoupçonnées avec Mud, le récit d'une initiation, d'un éveil à l'amour le long du fleuve Mississipi.

Mud, c'est le prénom de cet homme qui a trouvé refuge sur une île au milieu du Mississipi. Avec sa dent en moins, son serpent tatoué sur le bras, son flingue dans la poche et sa chemise porte-bonheur, il croise en chemin Ellis et Neckborne, deux jeunes garçons de 14 ans lors de leurs errances quotidiennes. Ensemble, ils vont tenter de réparer un bateau échoué sur l'île pour que Mud puisse échapper au chasseur de primes engagé par le père de l'homme qu'il a tué. Mud, c'est un homme qui croit désespérément en l'amour. Il attend sa fiancée Juniper, qu'il a connu enfant, et qu'il n'a jamais cessé d'aimer. Ellis est un adolescent qui cherche l'amour et qui va trouver en Mud un point d'ancrage pour échapper aux tensions quotidiennes de ses parents. Mais difficile dans les paroles de Mud de déceler le vrai du faux...

Ancrant son récit le long du Mississipi, Jeff Nichols filme les derniers jours de ces rescapés du fleuve. Le récit d'un vagabondage, d'une initiation et d'une fuite, qui vient puiser sa vitalité dans cette rivière ornée de personnages à la Mark Twain. Par les yeux d'Ellis, ce gamin qui cherche tant à comprendre le monde qui l'entoure, le spectateur suit les mouvements fluctuants de ces personnages, guidés par leur besoin d'être aimés et leur soif de liberté.

Mud, c'est le film d'un homme en proie au romantisme, malmené par des femmes qui font ce qu'elles veulent de lui et la caméra, mobile, s'attache à dérouler le sujet sans jamais l'amoindrir. Parallèlement, c'est le récit d'une Amérique qui perd ses racines, ce mode de vie si particulier au Sud qui est en voie d'extinction que Jeff Nichols dépeint ici. Cette quête vagabonde mêlée à cette douce mélancolie donnent à Mud des accents précieux qu'on aurait aimé voir récompensé à Cannes.

Par Laure Croiset